Bienvenidos exploradores a un sitio donde podrán vivir y aprender de manera divertida sobre historia y donde semana por semana tendremos una nueva aventura.
¿Conoces algunas ciudades famosas? Así
como Nueva York, París, Roma, Madrid, Los Ángeles, entre otras. ¿Sí? ¿Las
conoces? Pues te cuento que la ULM era igualmente una ciudad de en Alemania
donde se funda la escuela ULM o conocida también con la escuela superior de
proyectación. La ULM fue fundada por el arquitecto y escultor suizo Max Bill en
el año 1953, siguiendo los lineamientos de la Bauhaus y por ellos en años
posteriores seria conocida como la Nueva Bauhaus o Neues Bauhaus. Esta escuela
ganaría rápido reconocimiento por sus nuevos enfoques de diseño puestos en
práctica. La enseñanza de esta escuela se basaba principalmente en un plan de
estudios que se desarrollaban a lo largo de cuatro años. Dentro del primer año
se estudiaban se realizaba un curso básico y luego partiendo de ello se elegía
una especialización entre las cuales se podía elegir diseño industrial,
comunicación visual, construcción, información y cinematografía. Durante el
último año se realizaba la tesis de grado, toda la carrera estaba sujeta a
investigaciones que luego se implementaban en cada departamento con el fin de
crear nuevas aproximaciones al diseño.
En 1953 se empieza la construcción del edificio de la escuela diseñado
por Max Bill, el cual resultaría ser el primer edificio en Alemania construido
de hormigón y una estructura reforzada. El edificio contaba con talleres
espaciosos, dormitorios para estudiantes y una cafetería. Hoy en día estas
instalaciones siguen en uso por la facultad de medicina de la universidad de
Ulm. Dentro de la escuela se
desarrollaron conflictos por la dirección y planes de estudios de esta y al unificarse
la ULM con la escuela de ingeniería el apoyo federal que recibía fue cancelado
lo que hizo insostenible la situación financiera. En consecuencia, muchos
profesores fueron despedidos por lo que se tuvo que reducir los grupos de
clases y finalmente en noviembre de 1968 fue cerrada. Esta escuela fue la
pionera en la integración de dos ramas, las cuales eran la ciencia y el diseño,
logrando sistematizar el diseño. Algunos de criterios que se desarrollaron el
ULM siguen siendo válidos hoy en día.
¿Tú vas a la escuela? Pues la Bauhaus es
el nombre de una escuela como la tuya, sin embargo, esta escuela era de
artesanías, diseño, arte y arquitectura que fue fundada en 1919 por Walter
Gropius en Weimar Alemania. El nombre de la escuela proviene de la unión de dos
palabras alemanas BAU que significa construcción y HAUS que significa casa. Esta escuela colocó sus bases en las
ramas de diseño que hoy en día conocemos como diseño industrial y diseño
gráfico. La fundación de esta escuela se produjo en un momento de desarrollo
político, social, educativo y artístico que se vio influenciado por las
vanguardias artísticas del siglo XX. Esta escuela tuvo cuatro distintas etapas
desde su fundación. La primera de ellas se caracterizó por ser una etapa muy
idealista y comprendió los años de 1919-1923. Su fundador Gropius buscaba el
recuperar los métodos artesanales en el nuevo estilo productivo y de esa manera
llevar el sistema artesano al mismo nivel de las bellas artes pudiendo
comercializarlos. En la segunda la segunda etapa que se llevó a cabo en los
años de 1923-1925 Theo Van Doesburg fundador del neoplasticismo en los países
bajos tendrá mucha influencia muy grande en los estudiantes de la escuela de
Bauhaus lo que resultaría que conduciría a la escuela a un camino. Se sustituye
el expresionismo con la nueva objetividad, mostrando un estilo mucho más
racionalista. Con el traslado de la escuela de Weimar a Dessau, se lleva a cabo
la tercera fase de la Bauhaus. Comprendió los años de 1925-1933 alcanzando en
esta etapa mayor reconocimiento y con la intervención de Mies van der Rohe se
traslada a Berlín en el año de 1933 donde cambia por completo su método de
enseñanza. Lamentablemente no se pudo sostener la escuela en Berlín porque
creían que la escuela tenía implicaciones políticas y a pesar de que van der
Rohe insistía que no era así y trataba de presentarse como patriota, la escuela
cierra en abril de ese mismo año. Con la
partida de muchos de los integrantes de la escuela a los Estados Unidos y se
funda la New Bauhaus en Chicago por László
Moholy-Nagy en el año de 1937.
Siendo esta la que mejor representaría más fielmente el plan de estudios
original de esta escuela.
Este
término empieza generarse desde la era industrial ¿te recuerdas? ¡Exactamente!
El tema pasado que acabamos de aprender ¿Recuerdas que te mencionaba que una
particularidad grande del diseño industrial es que empieza centralizar los
diseños en el usuario? Pues esta filosofía en concreto tiene el propósito de
crear productos que resuelvan las necesidades para obtener una satisfacción
mayor en los usuarios finales. Dentro de una línea de tiempo podríamos
presentar en primera posición la revolución industrial donde se muestran
aportes hacia esta filosofía como la investigación de la antropometría, la cual
es una ciencia que estudia las dimensiones de las proporciones humanas, y la
ergonomía la cual es una ciencia encargada de estudiar las dimensiones necesarias
para que el ser humano pueda realizar cualquier actividad. Luego en la segunda
posición podríamos ubicarnos en los años 80’s con el aparecimiento de la
computadora y la filosofía planteada por Donald Norman llamada User Center
System Design, hasta finalizar hoy en día donde se valora una imagen
desarrollada y ofrecida por el usuario con el fin de que el diseñador le
otorgue un modelo de solución a este.
Con la utilización de esta filosofía se busca conseguir la calidad de un
producto con la funcionalidad adecuada que se necesita para un usuario en
concreto que ya se había determinado y definido. En resumen podríamos decir que
la finalidad del DCU busca satisfacer las necesidades del usuario, mediante
esta acción se logra transmitir funcionalidad al diseño. Asimismo al adaptar
las diferentes tecnologías para la creación de formas. Dentro de este proceso el diseñador debe
hacer participar al usuario para detectar necesidades en un contexto
determinado donde se esté desarrollando el usuario y de esa manera dar
respuesta a preguntas como quien hará uso del producto, como se usara producto
y que información o elementos se necesita para la producción del producto. Con
las respuestas al que, quien y como, el diseñador será capaz de tomar
decisiones para una mejor producción en la solución ajustándose a las
capacidades, expectativas y motivaciones del usuario.
Hola aventureros, dentro de esta etapa de
nuestra historia se generaron cambios que revolucionaron la manera de pensar y
actuar tanto en el ámbito económico como en el social. Este acontecimiento se
llevó a cabo en el siglo XVIII y principios del siglo XIX, pero te estarás
preguntando ¿De qué se trató esto? Fue un cambio dentro de los sistemas de
producción, se abandonaron los sistemas artesanales y mediante la maquinaria
adecuada se desarrolló la fabricación en serie. En este ambiente, hubo hechos
importantes que respaldaron esta revolución como lo fue el invento de las
locomotoras, de los libros y la imprenta.
Asimismo, este acontecimiento sin dudas trajo algunas consecuencias como
el surgimiento de enfermedades, el nacimiento de la clase social obrera, la
falta de derechos laborales y humanos, entre otras. Sin embargo, esto no significo que no se desarrollara un diseño
acorde a lo que estaba pasando. Es aquí donde surge el diseño industrial, donde
el diseño toma como referencia el simplificar y sistematizar las formas y
características, es decir, que es aquí donde aparece lo que ahora conocemos
como conceptualización. ¿De qué se trata esto de la conceptualización? En palabras
simples es tomar de cualquier forma
características que sirvan como inspiración brindándole una nueva
interpretación a estas. Otra
particularidad que se formó dentro de esta era fue el tomar como centro del
diseño al usuario. Dentro de lo que se tomaba en cuenta del usurario eran
aspectos sociales, psicológicos, anatómicos y fisiológicos con el propósito de
generar un mejor diseño como respuesta a las necesidades respondiendo a la
demanda, deseos o aspiraciones de la sociedad. Estas respuestas tendrían que
tener dos propiedades muy importantes, las cuales serían la tecnología y la
estética, pero siempre teniendo en cuenta al ser humano. Como lo había
mencionado antes, esta fue una etapa en donde muchos inventos y cosas
innovadoras se manifiestan, es por ello que el que en ese entonces era el
príncipe llamado Alberto, decide realizar una exposición de diseños
industriales donde los cuales se dividirían en 6 categorías las cuales eran
materias primas, maquinarias, manufactura en textiles, manufactura en metales,
vidrios y cerámicos, misceláneos y artesanías. Para llevar a cabo este evento
se necesitaba un lugar capaz de albergar todos los inventos inscritos y la
afluencia de personas que habría y todo debería realizarse en 1 año. Entonces,
el príncipe empieza un concurso de propuestas para la edificación y de las
cuales recibirían alrededor de más de 245. La propuesta ganadora fue la de
Joseph Paxton llamado el palacio de Cristal, la cual era una edificación de hierro forjado y vidrio,
materiales que representaban la industrialización de esa época la perfección.
Palacio de Cristal por Joseph Paxton
Interior del palacio de Cristal y la exposición que se llevo a cabo por el principie Alberto.
Nuestro siguiente tema es el neoclásico, ¿te suena aburrido?
Pues a pesar que este movimiento regresa a las formalidades y la simpleza del
pasado, cabe destacar que tuvo muchos aportes en las bellas artes. El
nacimiento de este movimiento se dio en dos lugares principalmente en Roma y
París, buscaban orientar el arte en un sentido racional, rechazando la
superficialidad del rococó y el ilusionismo del barroco. En ramas como la
pintura también se abandona los temas superficiales y le agregan un valor
didáctico y moralizante, consideraban que era imprescindible el conocimiento
científico de las fuentes clásicas griegas y romanas. Mediante estas fuentes se
buscaba resucitar la virtud y la perfección del mundo. Las obras clásicas están
cargadas principalmente de hechos donde la razón es el punto más importante en
todas ellas, es por ello que es adoptado nuevamente. Es decir que predomina
todo lo que se puede entender y rechazaban todo aquello que viniera impuesto
por la fe o la tradición, promoviendo y fomentando los temas que manifiesten
las ideas liberales de la época como la igualdad, la fraternidad y la libertad.
Todo el trabajo desarrollado en esta época está cargado de simbolismo y la etapa
de la ilustración representa el deseo de los filósofos de esa época por
racionalizar todos los aspectos de la vida y del ser humano. Este movimiento
vino a sustituir el papel de la religión por una ética laica que ordenará desde
entonces las relaciones humanas y llevara a un concepto científico de la
verdad. La diversidad de los estilos que había a finales del siglo XVIII hizo
que el arte neoclásico sea dividido con adjetivos: lo bello, lo sublime y lo
pintoresco. Con lo bello se buscaba la perfección, volviendo a las formas
sencillas, proporcionadas y simétricas. Con lo sublime se explota el dolor, el
sufrimiento que es capaz de conmover al hombre y causarles temor, admiración y
respeto. Finalmente lo pintoresco es la diversidad y explotación de los rasgos
accidentales e individuales.
Esta vez aventureros les hablare sobre el estilo rococó, este
movimiento surge en Francia, ¡sí en Francia donde se encuentra la torre Eiffel!
El arte rococó surgió durante el reinado de Luis XV, que se convirtió en una
moda cortesana en ese tiempo. Entre los años de 1730 y 1745 se afirmó como un
arte aristocrático y refinado, también es considerado como la culminación del
arte barroco. Este arte se caracteriza por la opulencia, la elegancia y por el
empleo de colores vivos, los cuales marcan un contraste grande entre la
utilización de colores opacos, oscuridad y pesimismo del barroco. Asimismo, se
encuentra la abundancia de temas de naturaleza, la mitología y la belleza de
los cuerpos desnudos. Dentro de esta época se buscaba reflejar en las
diferentes ramas de este arte reflejando lo que era agradable, refinado,
exótico y sensual. A diferencia del movimiento anterior las pinturas toman un
carácter profano, la pintura era más decorativa. Se decoraban las paredes y los
techos mediante grandes frescos, con el fin de decorar las casas de la
burguesía y la nobleza. La decoración con refinadas y coquetas estancias como
los cabinet y los boudoirs, decoradas con marqueterías, porcelanas, tapices y
pinturas de temática sensual. También podíamos observar la decoración en
magníficos jardines y juegos de agua. Para definirlo de una manera más simple,
le llamaremos a este arte la caja de bombones.
¿Por qué la caja de bombones? Porque justamente se buscaba generar el
efecto de la caja de bombones en las personas, es decir que se mostrara de una
manera simple y recatada en la parte del exterior pero en el interior que
estaba lleno de sorpresas y de cosas interesantes donde el observador se
perdiera entre la abundancia de detalles. Sin duda este arte fue uno donde más
se recargaba en ornamentación y donde los deseos banales de la clase noble eran
dominantes.
Esta semana
aventurero te contare sobre el periodo conocido como el Barroco. ¡Qué extraña
palabra no! Te cuento este periodo en la historia que nació en Inglaterra, se
desarrolló principalmente en Europa pero con la colonización en América se encuentran
algunas manifestaciones de este arte en el nuevo territorio. ¿Te preguntaras de
que se trata este movimiento? este movimiento abandona toda la serenidad que se
manejaba en periodos anteriores, para expresar un mundo en movimiento y
abundancia. Tras conflictos que se llevaron a cabo durante esta época con la
reforma iniciada por Martín Lutero, la iglesia católica genero un movimiento
conocido como la contrarreforma y adopta
al arte barroco con fines litúrgicos por la grandiosidad y la complejidad de
este movimiento. Asimismo la iglesia también alentaba a los artistas que
dejaran el uso de temas paganos que tuvieron mucha aceptación en el
renacimiento y así de esa manera se evitarían el desarrollo de desnudos y
escenas escandalosas. Por lo tanto, las diferentes ramas y disciplinas de este
arte eran usadas para exaltar la autoridad papal e ilustrar la verdadera fe católica.
Con el uso de una decoración se buscaba impresionar y expresar sentimientos y
estados de ánimos con la finalidad de transmitir una emoción. También se
podemos ver el uso de una decoración recargada no solo en el interior de las
edificaciones o mobiliario sino que en el exterior. Asimismo, se comienza a
utilizar efectos de claroscuro para agregar más dramatismo a las creaciones de
esa época. Me imagino que te estarás preguntando ¿Cuál es el significado de
claroscuro? Como la palabra lo describe es el uso de elementos arquitectónicos
para jugar con la sombra y de esa manera acentuar y resaltar detalles
destacados dentro de la edificación. La preferencia por las líneas curvas
también era algo muy utilizado en las pinturas, asimismo se buscaba una
representación del infinito y donde la pintura y el color buscan generar una
sensación de que el espacio real se amplia.
Pintura de las
Meninas
Un ejemplo muy
destacado es la pintura “Las Meninas” de Diego Velázquez, que fue realizada en
óleo sobre tela. El tema principal de este cuadro es sobre la infanta Margarita
de Austria, la cual es la que se encuentra en el primer plano de la pintura. Ella
se encuentra rodeada de la servidumbre y en el reflejo de un espejo que se
encuentra al fondo de la habitación se puede observar a los reyes, los padres
de Margarita. Este cuadro ha tenido mucha controversia por que con sus efectos
engaña y confunde al espectador. La manera en las que los personajes se
encuentran retratados muestra que ellos no se encontraban posando para ese
cuadro sino que era acciones que se estaban realizando en el momento. Si te
colocas a espaldas del cuadro y lo miras a través de un espejo, te llevaras la
sorpresa por el efecto fuertemente realista que produce. Generando una interrelación tan estrecha
entre lo pintado y lo real que resulta difícil distinguirlo. Otro mensaje es el
futuro prometedor de la monarquía española, con la sucesión asegurada y la
relación profunda de amistad que mantenía el pintor con la familia real.
